Biografia : Jackson Pollock

Atualizado: 29 de Jul de 2020


O famoso artista do século XX, Jackson Pollock, revolucionou o mundo da arte moderna com suas técnicas únicas de pintura abstrata.


Quem foi Jackson Pollock?


O artista Jackson Pollock estudou com Thomas Hart Benton antes de deixar técnicas tradicionais para explorar o expressionismo de abstração através de suas peças de ação e splatter, que envolviam derramar tinta e outras mídias diretamente nas telas. Pollock era renomado e criticado por suas convenções. Ele morreu após dirigir bêbado e colidir com uma árvore em Nova York em 1956, aos 44 anos.



Juventude


Paul Jackson Pollock nasceu em 28 de janeiro de 1912 em Cody, Wyoming. Seu pai, LeRoy Pollock, era fazendeiro e agrimensor do governo, e sua mãe, Stella May McClure, era uma mulher feroz com ambições artísticas. O caçula de cinco irmãos, ele era uma criança carente e estava frequentemente em busca de atenção que não recebia.


Durante sua juventude, a família de Pollock mudou-se para o oeste, para o Arizona e por toda a Califórnia. Quando Pollock tinha 8 anos, seu pai, um alcoólatra abusivo, deixou a família, e o irmão mais velho de Pollock, Charles, tornou-se um pai para ele. Charles era um artista e era considerado o melhor da família. Ele teve uma influência significativa nas ambições futuras do irmão mais novo. Enquanto a família morava em Los Angeles, Pollock se matriculou na Manual Arts High School, onde descobriu sua paixão pela arte. Ele foi expulso duas vezes antes de abandonar a escola por suas atividades criativas.



Em 1930, aos 18 anos, Pollock se mudou para a cidade de Nova York para morar com seu irmão, Charles. Ele logo começou a estudar com o professor de arte de Charles, pintor regionalista representativo Thomas Hart Benton, na Art Students League. Pollock passava grande parte de seu tempo com Benton, muitas vezes cuidando do filho jovem de Benton, e os Bentons acabaram se tornando como a família que Pollock sentia que ele nunca teve.



A Era da Depressão


Durante a Depressão, o Presidente Franklin D. Roosevelt iniciou um programa chamado Projeto de Obras Públicas de Arte, um dos muitos destinados a impulsionar a economia. Pollock e seu irmão Sanford, conhecido como Sande, encontraram trabalho na divisão mural da PWA. O programa WPA resultou em milhares de obras de arte de Pollock e contemporâneos, como José Clemente Orozco, Willem de Kooning e Mark Rothko.


Mas, apesar de estar ocupado com o trabalho, Pollock não conseguia parar de beber. Em 1937, ele começou a receber tratamento psiquiátrico para alcoolismo de um analista junguiano que alimentou seu interesse pelo simbolismo e pela arte dos nativos americanos. Em 1939, Pollock descobriu o show de Pablo Picasso no Museu de Arte Moderna. A experimentação artística de Picasso incentivou Pollock a ultrapassar as fronteiras de seu próprio trabalho.



Amor e Trabalho


Em 1941 (algumas fontes dizem 1942), Pollock conheceu Lee Krasner, um artista contemporâneo judeu e um pintor estabelecido por direito próprio, em uma festa. Mais tarde, ela visitou Pollock em seu estúdio e ficou impressionada com sua arte. Eles logo se envolveram romanticamente.


Por volta dessa época, Peggy Guggenheim começou a expressar interesse pelas pinturas de Pollock. Durante uma reunião que teve com o pintor Pete Norman, ele viu algumas das pinturas de Pollock caídas no chão e comentou que a arte de Pollock era possivelmente a arte americana mais original que ele já vira. Guggenheim imediatamente contratou Pollock.



Krasner e Pollock se casaram em outubro de 1945 e, com a ajuda de um empréstimo da Guggenheim, compraram uma fazenda na área de Springs, em East Hampton, em Long Island. Guggenheim deu a Pollock uma bolsa para trabalhar, e Krasner dedicou seu tempo a ajudar a promover e gerenciar suas obras de arte. Pollock estava feliz por estar no país novamente, cercado pela natureza, que teve um grande impacto em seus projetos. Ele foi energizado por seu novo ambiente e por sua esposa solidária. Em 1946, ele converteu o celeiro em um estúdio particular, onde continuou a desenvolver sua técnica de "gotejamento", a tinta literalmente escorrendo de suas ferramentas e sobre as telas que ele normalmente colocava no chão.


Em 1947, Guggenheim entregou Pollock a Betty Parsons, que não foi capaz de pagar-lhe uma bolsa, mas lhe daria dinheiro com a venda de suas obras de arte.




O 'período de gotejamento'


As pinturas mais famosas de Pollock foram feitas durante esse "período de gotejamento" entre 1947 e 1950. Ele se tornou muito popular depois de aparecer em uma página de quatro páginas, em 8 de agosto de 1949, na revista Life. O artigo perguntou a Pollock: "Ele é o maior pintor vivo dos Estados Unidos?" O artigo da Life mudou a vida de Pollock da noite para o dia. Muitos outros artistas se ressentiram de sua fama, e alguns de seus amigos de repente se tornaram concorrentes. À medida que sua fama cresceu, alguns críticos começaram a considerar Pollock uma fraude, fazendo com que ele questionasse seu próprio trabalho. Durante esse período, ele costumava procurar Krasner para determinar quais pinturas eram boas, incapaz de fazer a diferenciação.


Em 1949, o show de Pollock na Betty Parsons Gallery se esgotou e, de repente, ele se tornou o pintor de vanguarda mais bem pago da América. Mas a fama não era boa para Pollock, que, como resultado, tornou-se desprezador de outros artistas, até mesmo seu ex-professor e mentor, Thomas Hart Benton. Além disso, atos de autopromoção o faziam sentir-se falso, e ele às vezes dava entrevistas nas quais suas respostas eram escritas. Quando Hans Namuth, um fotógrafo de documentários, começou a produzir um filme de Pollock trabalhando, Pollock achou impossível "atuar" para a câmera. Em vez disso, ele voltou a beber muito.



O show de Pollock em 1950 na galeria Parsons não vendeu, embora muitas das pinturas incluídas, como o número 4 de 1950, sejam consideradas obras de arte hoje. Foi durante esse período que Pollock começou a considerar títulos simbólicos enganosos e, em vez disso, começou a usar números e datas para cada trabalho que completou. A arte de Pollock também ficou mais escura. Ele abandonou o método de "gotejamento" e começou a pintar em preto e branco, o que não deu certo. Deprimido e assombrado, Pollock frequentemente encontrava seus amigos no Cedar Bar, perto dele, bebendo até fechar e entrar em brigas violentas.


Preocupado com o bem-estar de Pollock, Krasner chamou a mãe de Pollock para ajudar. A presença dela ajudou a estabilizar Pollock, e ele começou a pintar novamente. Ele completou sua obra-prima, The Deep, durante este período. Mas à medida que a demanda dos colecionadores pela arte de Pollock crescia, também aumentava a pressão que ele sentia e, com ela, o alcoolismo.


Queda e Morte


Oprimido pelas necessidades de Pollock, Krasner também não conseguiu trabalhar. O casamento deles ficou perturbado e a saúde de Pollock estava falhando. Ele começou a namorar outras mulheres. Em 1956, ele havia parado de pintar e seu casamento estava em ruínas. Relutantemente, Krasner partiu para Paris para dar espaço a Pollock.


Logo depois das 22h Em 11 de agosto de 1956, Pollock, que estava bebendo, bateu seu carro em uma árvore a menos de 1,6 km de sua casa. Ruth Kligman, sua namorada na época, foi jogada do carro e sobreviveu. Outro passageiro, Edith Metzger, foi morto e Pollock foi jogado 15 metros no ar e em uma bétula. Ele morreu imediatamente.


Krasner voltou da França para enterrar Pollock e, posteriormente, entrou em luto que duraria o resto de sua vida. Mantendo sua criatividade e produtividade, Krasner viveu e pintou por mais 20 anos. Ela também administrou a venda das pinturas de Pollock, distribuindo-as cuidadosamente para os museus. Antes de sua morte, Krasner criou a Fundação Pollock-Krasner, que concede doações a jovens artistas promissores. Quando Krasner morreu em 19 de junho de 1984, a propriedade valia US $ 20 milhões.


Legado


Em dezembro de 1956, um ano após sua morte, Pollock recebeu uma exposição retrospectiva memorável no Museu de Arte Moderna de Nova York e depois outra em 1967. Seu trabalho continua sendo homenageado em larga escala, com freqüentes exposições em o MoMA em Nova York e o Tate em Londres. Ele continua sendo um dos artistas mais influentes do século XX.





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