Surrealismo

Atualizado: 29 de Jul de 2020


Soft Construction with Boiled Beans (Premonition of Civil War), 1936 (Oil on Canvas)


O surrealismo foi o movimento artístico do século XX que explorou as profundezas ocultas da "mente inconsciente". Os surrealistas rejeitaram o mundo racional porque "apenas permite a consideração daqueles fatos relevantes para a nossa experiência". Eles buscavam um novo tipo de realidade, uma realidade elevada que eles chamavam de 'surrealidade', encontrada no mundo das imagens extraídas de seus sonhos e imaginação.


RENÉ MAGRITTE (1898-1967) A Lâmpada do Filósofo, 1936 (Óleo sobre tela)


O surrealismo foi fundado em Paris, onde muitos dos dadaístas se estabeleceram após a Grande Guerra. Era originalmente um movimento literário, mas suas imagens incomuns eram mais adequadas para as artes visuais e para os artistas que buscavam uma abordagem mais consistente da arte como um antídoto para o caos de Dadá.



MAX ERNST (1891-1976) O Olho do Silêncio, 1943-44 (óleo sobre tela)


O surrealismo tinha caráter semelhante ao dadaísmo, pois ambos eram hostis às tradições da arte acadêmica e aos valores que ela defendia. A principal diferença entre os dois movimentos estava no método de oposição. Enquanto os dadaístas se contentavam em explodir o establishment com uma arma de negatividade, os surrealistas buscavam uma filosofia mais criativa e positiva.





Artistas Surrealistas


RENÉ MAGRITTE (1898-1967)

RENÉ MAGRITTE (1898-1967) O Filho do Homem, 1964 (Óleo sobre tela)


Ao longo dos anos, tem havido muitos artistas associados ao surrealismo, que continuam a exercer sua influência na arte até hoje. No entanto, as principais figuras responsáveis ​​pela criação da era de ouro do surrealismo foram Joan Miro, Max Ernst, Salvador Dali e René Magritte.





JOAN MIRO (1893-1983)


JOAN MIRO (1893-1983) O nascimento do mundo, 1925 (Óleo sobre tela)


Joan Miro mudou-se de Barcelona para Paris em 1919, onde foi apresentado a André Breton e aos surrealistas por seu vizinho, André Masson. Breton adorou a visão ingênua e infantil da arte de Miro e o encorajou a experimentar técnicas surrealistas, a fim de estimular sua criatividade e abrir sua "mente inconsciente". Para esse fim, Miro tentou aumentar sua imaginação, induzindo alucinações através de extrema fome. Nessa condição suscetível, ele ficava sentado por horas e olhava as manchas e rachaduras nas paredes de gesso de seu estúdio degradado, esboçando as formas primárias que eram geradas por seu estado alterado. Essa técnica provavelmente foi inspirada no texto surrealista favorito sobre a interpretação de manchas dos cadernos de Leonardo da Vinci: "Eu digo que um homem pode procurar nessa mancha cabeças de homens, vários animais, batalhas, pedras, mares, nuvens , bosques e outras coisas semelhantes. É como o som de sinos, que pode significar o que você quiser "



A pintura de Miro, 'O nascimento do mundo' ilustra perfeitamente essa forma de 'automatismo'. Ele começou o trabalho escovando e espalhando o fundo pintado livremente, o que por si só é um exemplo de "puro automatismo psíquico". No entanto, o primeiro plano da pintura é mais calculado com linhas e formas pintadas, desenhadas a partir de um vocabulário de formas primárias compiladas em seus cadernos de desenho. Essas formas, em relação ao título da pintura, convidam e resistem à análise literal, provocando uma resposta poética "inconsciente" como efeito duradouro. Como Miro disse: "A pintura nasce das pinceladas como um poema nasce das palavras. O significado vem depois".





Max Ernst (1891-1976)

MAX ERNST (1891-1976) Une Semaine de Bonté, 1933 (gravura baseada em colagem)


Max Ernst explorou uma variedade maior de técnicas surrealistas do que qualquer outro artista. Como o surrealismo foi originalmente formado como um movimento literário, um dos problemas para os artistas era encontrar processos surrealistas específicos das artes visuais e não apenas adaptações das técnicas literárias.


Colagem e fotomontagem já haviam sido usadas com efeito dramático por Ernst quando ele era membro dos dadaístas de Colônia. No contexto do surrealismo, provou ser o meio perfeito para despertar o que Ernst chamou de "as detonações poéticas mais poderosas". Consequentemente, ele produziu uma série de romances de colagens surrealistas, incluindo 'Répétitions' 1922, 'Les Malheurs des Immortels' 1922, 'La Femme 100 Têtes' (Cem mulheres sem cabeça) 1929 e 'Une Semaine de Bonté' (uma semana de Plenty) 1933, uma página da qual é ilustrada acima.



As imagens desses romances foram cortadas e coladas a partir de uma variedade de publicações científicas e literárias populares. Recortes de artistas como as ilustrações de Gustave Doré de 'Paradise Lost' e o melodrama burguês de Jules Mary 'Les Damnées de Paris' foram combinados em relacionamentos bizarros e irracionais. A escolha de fontes de Ernst, no entanto, não foi simplesmente aleatória. Eles representavam a era vitoriana / eduardiana repressiva de sua infância e seus livros de colagem foram um ataque provocador à sua sociedade autoritária. Para aumentar o poder subversivo de suas imagens, Ernst recriou cada colagem como uma gravura em linha para fazê-los parecer mais com ilustrações autênticas da época. Ao virar as páginas, a justaposição de imagens de diferentes contextos surpreendeu sua resposta cultural normal e agitou as profundezas de sua "mente inconsciente".


Ernst também desenvolveu as técnicas de 'frottage', 'grattage' e 'decalcomania' para criar texturas 'automáticas'. Ele as usaria como uma fonte imaginativa de imagens, olhando-as para descobrir as extraordinárias criaturas surrealistas e paisagens que estavam escondidas por dentro.


Frottage (do francês, 'frotter' significa 'esfregar') era a técnica de esfregar uma superfície texturizada, como o passatempo infantil de criar uma imagem de uma moeda, cobrindo-a com uma folha de papel e esfregando-a com um pano. lápis.


A gratidão (do francês, 'gratter' significa 'riscar') era outra técnica 'automática' que explorava os efeitos posteriores de raspar a tinta úmida da superfície de uma tela.


MAX ERNST (1891-1976) Europa após a chuva II, 1941 (Decalcomania: Óleo sobre Tela)


A decalcomania foi uma das técnicas mais dinâmicas de Ernst. Esse efeito é claramente ilustrado em sua pintura de "A Europa depois da chuva II". Sua superfície elaborada foi criada pressionando tinta fluida entre duas folhas de lona e separando-as para revelar uma textura exuberante. Ernst então procuraria nesta massa complicada formas familiares da mesma maneira que um psicólogo usaria o "teste de mancha de tinta de Rorschach" para extrair significado de uma resposta "automática". Depois de desenterrar algumas figuras reconhecíveis que formavam uma narrativa subliminar, ele aprimorava os detalhes manualmente. Finalmente, ele editaria a composição geral pintando a forma negativa do céu para liberar a imagem "inconsciente" que estava escondida dentro de sua forma emaranhada.


MAX ERNST (1891-1976) Detalhe da Europa após a chuva II, 1941 (Decalcomania: Oil on Canvas)


'Europa após a chuva II' é o comentário contundente de Max Ernst sobre a Segunda Guerra Mundial na Europa. É uma visão apocalíptica das consequências da guerra; um mundo arrasado de restos podres habitados pelas formas deformadas do homem e da fera. Uma mulher de costas para nós olha ansiosamente para o horizonte distante de luto por seu mundo perdido, seu corpo calcificado eternamente ancorado nesse terreno bárbaro. Uma sentinela usando um capacete de máscara de pássaro e segurando uma lança fica de guarda ao lado dela, um símbolo irônico da 'grande Nova Ordem Européia' que Hitler proclamou em um discurso de janeiro de 1941 (o ano da pintura) no Sportpalast de Berlim.



Ernst experimentou a devastação e a futilidade da guerra, tendo servido nas frentes ocidental e oriental na Primeira Guerra Mundial. Em sua autobiografia, ele lidou sucintamente com esses eventos angustiantes: 'Em primeiro de agosto de 1914, ME morreu. Ele ressuscitou em 11 de novembro de 1918 '.


"Europa depois da chuva II" é uma visualização "inconsciente" de todas as guerras: nenhum resultado idealista, nenhum espólio de vencedor, nenhum vencedor. Tudo o que resta é um mundo devastado e uma humanidade assustada, cujo novo guardião agora usa uma máscara diferente. Quando entrevistado sobre a relação entre sonhos e realidade em seu trabalho e a estranheza das imagens que produziu, Ernst respondeu: "Se a pintura é um espelho de um tempo, deve ser uma loucura ter uma imagem verdadeira de que horas são. Quem fez história do mundo? Não são as pessoas mais razoáveis, os loucos fizeram ...... Através de uma loucura, nos opomos a outra loucura. "




Salvador Dali (1904-1989)


SALVADOR DALI (1904-1989) Cisnes refletindo elefantes, 1937 (Óleo sobre tela)


Salvador Dali personifica o surrealismo. Ele ficou fascinado com os escritos de Freud e seu interesse pela psicanálise informou seu melhor trabalho. Ele proclamou orgulhosamente: "Só existe uma diferença entre um louco e eu. Não estou bravo ... Há mais no mundo dos pesadelos do que as pessoas pensam".


Dali ficou encantado com certos aspectos ilusórios da paranóia: como uma pessoa vê evidências de uma coisa e a interpreta irracionalmente como outra. Ao entrar em um estado paranóico auto-induzido, ele foi capaz de contemplar uma forma e concebê-la como outra - uma espécie de dupla ilusão. Fiel à forma surrealista, Dali adota um distúrbio mental e o transforma em um mecanismo de mineração da "mente inconsciente". Ele chamou esse método de "paranóico-crítico" e o usou repetidamente em suas pinturas surrealistas clássicas dos anos 30. As obras de Dali desse período também foram muito acessíveis ao grande público devido ao virtuosismo de sua técnica de pintura. Ele foi capaz de criar imagens muito críveis, cuja descrição realista nos convence de que esse mundo inconsciente de seus sonhos é real.


SALVADOR DALI (1904-1989) Metamorfose de Narciso, 1937 (Óleo sobre tela)


A "Metamorfose de Narciso" foi a primeira pintura que Dali baseou em seu método "crítico paranóico". Foi inspirado pelos vários mitos de Narciso, que exploram uma preocupação anormal com o eu, algo que Dali não era estranho.


Na mitologia grega, o jovem Narciso era conhecido por sua aparência bonita, mas também era apaixonado por sua própria aparência. Um dia ele conheceu a bela ninfa Echo enquanto caçava na floresta. Echo, que era meio tagarela, se apaixonara por Narciso, mas como resultado de uma maldição, ela só conseguiu repetir as palavras que antes haviam sido ditas por outra pessoa. Então, quando Narciso falou com ela, ela só pôde repetir o que ele disse. Em um estado confuso e frustrado, ele rejeitou os avanços dela e fugiu. Eco, com o coração partido por sua rejeição, retirou-se para o deserto, onde ela desapareceu até que apenas sua voz permaneceu. Enquanto isso, Narciso continuou a rejeitar pretendente após pretendente até Nemesis, a deusa da vingança decidiu puni-lo por seu egoísmo. Ela o atraiu para uma piscina encantada para saciar sua sede e, quando ele se ajoelhou para beber, ele se apaixonou por seu próprio reflexo na água. Ele ficou tão fascinado pelo fascínio de sua própria imagem que não conseguiu se mexer. Transfixado e de coração partido, assim como o apaixonado Echo, ele gradualmente se perdeu em nada e morreu. No local em que ele se ajoelhou, cresceu uma flor que recebeu o nome dele.


Dali conta sua história de Narciso de duas formas, uma eco da outra. O formulário à esquerda é a figura de Narciso quando ele se inclina para olhar seu reflexo na piscina. Seu corpo está se transformando em pedra, o que ilustra sua incapacidade de se mover e indica sua morte final. A forma à direita é seu corpo morto e petrificado, que se transformou em uma mão segurando um ovo. Um narciso cresce de uma rachadura no ovo para completar sua metamorfose.



Dali cria o restante da pintura em torno dessa visão "crítica paranóica". A composição da pintura é cortada ao meio pela borda vertical da face do penhasco à esquerda. Isso desenha uma linha divisória entre as duas formas de Narciso e o equilíbrio simbólico de sua cor. As cores quentes das rochas de Cap de Creus são usadas à esquerda, dentro e ao redor do moribundo Narciso, para sugerir que ainda há vida em seu corpo doente. (O Cabo de Creus é um promontório próximo a Figueres, local de nascimento de Dali, e suas formações rochosas típicas aparecem em muitas de suas obras.) As cores à direita ficaram geladas para transmitir a ideia de que Narciso havia passado. Sua forma metamorfosa permanece como uma lápide invadida por formigas, seu espírito encapsulado pela flor sobrevivente. As formigas, que também aparecem em várias outras pinturas de Dali, são usadas como símbolos de transformação, pois constantemente coletam e consomem matéria morta para reciclar sua energia.


No centro da pintura, uma estrada sinuosa liga as duas imagens de Narciso enquanto se dirige para as montanhas distantes. Onde passa entre as duas formas, um grupo de pretendentes rejeitados por Narciso chora de dor pela perda. Um sentimento de perda é desenvolvido ainda mais na figura à direita, que fica em um pedestal no centro de um tabuleiro de xadrez. Isso representa Narciso como ele era antes, olhando em volta para admirar seu próprio físico.


A iluminação dramática, a cor intensa, a perspectiva distante e o arranjo teatral da composição acenam como uma dívida de reconhecimento na direção de De Chirico, mas o que eleva as 'fotografias de sonho pintadas à mão' de Dali a uma ordem superior na hierarquia surrealista é a capacidade de sua técnica de pintura "de materializar as imagens da minha irracionalidade concreta com a fúria mais imperialista da precisão".




René Magritte (1898-1967)


RENÉ MAGRITTE (1898-1967) A condição humana, 1933 (Óleo sobre tela)


As pinturas de René Magritte exploram as lacunas 'inconscientes' entre a comunicação e a interpretação das palavras e imagens que usamos para descrever a realidade. Ele pinta imagens comuns que preparam uma armadilha para nossas faculdades racionais com seus arames visuais e verbais. A interação entre os títulos e o conteúdo de suas pinturas acrescenta outro nível de desorientação a esses enigmas filosóficos.


'The Human Condition' (1933) retrata uma tela em um cavalete na frente de uma janela. A imagem na tela é uma pintura de paisagem que registra exatamente a vista através da janela. Isso imediatamente nos faz parar e pensar: 'Como sabemos que a paisagem por trás da pintura é o que vemos na tela? A imagem na tela está revelando ou ocultando uma visão da realidade? A resposta é que simplesmente não sabemos porque não podemos mover a pintura para descobrir. Portanto, a realidade do que existe é aceita como um ato de fé ou se torna uma construção da mente, ambas perspectivas filosóficas da condição humana.



RENÉ MAGRITTE (1898-1967) La Clef des Songes (A Chave dos Sonhos), 1927 (Óleo sobre tela)


'La Clef des Songes' é um enigma semelhante localizado na lacuna entre o significado das palavras e das imagens. A pintura se parece com o dicionário de imagens de uma criança e é pintada dessa maneira funcional e sem graça. Ele descreve quatro objetos - uma bolsa, um canivete, uma folha e uma esponja, cada um com uma etiqueta de identificação abaixo - Le ciel (O céu), L'oiseau (O pássaro), La table (A mesa) e L'éponge ( A esponja). Esse formato simples de rotulagem de imagens é um que todos aprendemos a reconhecer e confiar desde a infância. No entanto, aqui não funciona em três dos quatro exemplos. O estranho é que não aceitamos automaticamente que o sistema de rotulagem esteja errado. Como um deles está correto, começamos a procurar um novo sistema que funcione, explorando novas possibilidades de forma, cor e forma para tentar restaurar um senso racional de ordem. É nesse ponto que Magritte nos leva aonde ele nos quer: absorvido na atividade surrealista, estimulando o potencial criativo de nossa mente inconsciente através do envolvimento com o impossível.





Técnicas Surrealistas


YVES TANGUY (1900-1955) Deux Fois du Noir, 1941 (Óleo sobre tela)


Há uma longa lista de técnicas surrealistas que foram criadas para explorar a "mente inconsciente" e a maioria dos artistas explorou uma série delas em seus trabalhos. No entanto, a essência da arte surrealista pode ser resumida em três técnicas básicas:


Automatismo

A interpretação dos sonhos

A justaposição de imagens não relacionadas


Automatismo


ANDRÉ MASSON (1896-1987) Desenho automático, 1938 (Caneta sobre papel)


O automatismo é baseado em uma técnica de Sigmund Freud chamada "associação livre". Ele escreveu que: 'A importância da associação livre é que os pacientes falavam por si mesmos, em vez de repetir as idéias do analista; eles trabalham com seu próprio material, em vez de repetir as sugestões de outros ''. Breton adaptou essa terapia como um dispositivo criativo, renomeando-a de "automatismo psíquico puro". Nesta técnica, o artista esvazia sua mente do pensamento consciente e começa a desenhar espontaneamente, registrando qualquer resposta que preencha o vácuo. O resultado seria uma expressão da "mente inconsciente", revelando as profundezas ocultas da psique. Normalmente, os resultados dessa técnica não eram vistos como o produto final, mas como uma base sobre a qual uma imagem mais considerada poderia ser criada, alcançando assim a 'resolução desses dois estados, sonho e realidade'. Esse processo passou a ser conhecido simplesmente como 'Automatismo' e foi um elemento-chave da técnica surrealista.



JOAN MIRO (1893-1983) Constelação: A Estrela da Manhã, 1940 (Guache e aguarrás sobre papel)


O automatismo foi a primeira técnica surrealista a ser desenvolvida e as obras de arte criadas por esse método são principalmente abstratas em forma, mas geralmente vinculadas à realidade por meio de seus títulos. O automatismo foi pioneiro em André Masson, desenvolvido de forma criativa por Max Ernst e elegantemente refinado na arte de Yves Tanguy e Joan Miro.





A interpretação dos sonhos


SALVADOR DALI (1904-1989) Mercado de escravos com o busto desaparecido de Voltaire, 1940 (Óleo sobre tela)


Como estudante de psiquiatria, Breton ficou fascinado com o estudo de Sigmund Freud sobre 'A interpretação dos sonhos'. Em seu livro de 1899, Freud afirmou que nossas memórias e instintos mais profundos estavam ocultos na "mente inconsciente" e que um método de desbloqueá-los era através da análise de nossos sonhos. As idéias de Freud sobre a psicologia dos sonhos, embora adaptadas para atender às necessidades de Breton, deveriam se tornar centrais para o desenvolvimento do surrealismo.


RENÉ MAGRITTE (1898-1967) O Regresso, 1940 (Óleo sobre tela)


O mestre da paisagem alucinatória dos sonhos era Salvador Dali. O realismo ilusionista dele foi projetado para subverter seus sentidos e abrir sua mente para o irracional. René Magritte também minou o significado da imagem comum com uma torção visual ou verbal ilógica que sabotou qualquer entendimento racional de seu contexto.



A justaposição de imagens não relacionadas



MAX ERNST (1891-1976) As Celebes de Elefantes, 1921 (Óleo sobre tela)


A justaposição de imagens não relacionadas para gerar uma resposta subconsciente era um dispositivo que Max Ernst havia explorado anteriormente em suas pinturas e colagens dadaístas. No entanto, Breton atribui a idéia ao poeta francês Pierre Reverdy, que escreveu: "Quanto mais a relação entre as duas realidades justapostas for distante e verdadeira, mais forte será a imagem - maior será seu poder emocional e realidade poética".


RENÉ MAGRITTE (1898-1967) Valores pessoais, 1952 (Óleo sobre tela)


Essa técnica foi explorada de forma abrangente na arte de Max Ernst e reinventou imaginativamente uma e outra vez nas visões poéticas de René Magritte.





Uma definição de surrealismo


André Breton foi um escritor e poeta francês que escreveu o primeiro e o segundo Manifestos Surrealistas (1924 e 1929), Surrealismo e Pintura (1928) e foi editor da revista La Révolution Surréaliste (doze edições entre 1924-29).


O surrealismo foi definido pela primeira vez por André Breton no Manifesto Surrealista de 1924. Ele apresentou essa definição em um formato que associamos às entradas de um dicionário e enciclopédia:

'Surrealismo, substantivo. masc., Automatismo psíquico puro, pelo qual se pretende expressar verbalmente ou por escrito, a verdadeira função do pensamento. O pensamento ditava na ausência de todo controle exercido pela razão e fora de todas as preocupações estéticas ou morais.

Encycl. Philos. O surrealismo baseia-se na crença na realidade superior de certas formas de associações anteriormente negligenciadas, na onipotência do sonho e no jogo desinteressado do pensamento. Isso leva à destruição permanente de todos os outros mecanismos psíquicos e à sua substituição por eles na solução dos principais problemas da vida.


No mesmo manifesto, Breton delineou seu objetivo principal como "a futura resolução desses dois estados, sonho e realidade, que são aparentemente tão contraditórios, em um tipo de realidade absoluta, uma surrealidade, se assim se pode falar". Ele acreditava que esse novo estado transformaria o pensamento criativo e libertaria a sociedade para viver em um plano superior de 'super-realidade'.




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