Edvard Munch, pintor e gravador norueguês cujo tratamento intensamente evocativo de temas psicológicos se baseou em alguns dos principais princípios do simbolismo do final do século XIX e influenciou bastante o expressionismo alemão no início do século XX. Sua pintura O Grito, ou O Grito (1893), pode ser vista como um símbolo da angústia espiritual moderna.
Primeiros anos
Munch nasceu em uma família de classe média que sofria de problemas de saúde. Sua mãe morreu quando ele tinha cinco anos, sua irmã mais velha, quando ele tinha 14 anos, ambos de tuberculose; Munch finalmente capturou o último evento em sua primeira obra-prima, The Sick Child (1885-1886). O pai e o irmão de Munch também morreram quando ele ainda era jovem, e outra irmã desenvolveu uma doença mental. "Doença, insanidade e morte", como ele disse, "eram os anjos negros que vigiavam meu berço e me acompanharam toda a minha vida".
Munch mostrou talento para desenhar cedo, mas recebeu pouco treinamento formal. Um fator importante em seu desenvolvimento artístico foi a Kristiania Bohème, um círculo de escritores e artistas em Kristiania, como era então chamado Oslo. Seus membros acreditavam no amor livre e geralmente se opunham à mesquinharia burguesa. Um dos pintores mais antigos do círculo, Christian Krohg, deu a Munch instruções e incentivo.
Munch logo superou a estética naturalista predominante em Kristiania, em parte como resultado de sua assimilação do impressionismo francês após uma viagem a Paris em 1889 e seu contato por volta de 1890 com o trabalho dos pintores pós-impressionistas Paul Gauguin e Henri de Toulouse-Lautrec . Em algumas de suas pinturas desse período, ele adotou as pinceladas abertas dos impressionistas, mas o uso da linha delimitadora por Gauguin era mais agradável para ele, assim como a ambição dos artistas sintetistas de ir além da representação da natureza externa e dar forma a uma visão interior. Seu amigo poeta dinamarquês Emanuel Goldstein apresentou-o à poesia simbolista francesa decadente durante esse período, que o ajudou a formular uma nova filosofia da arte, imbuída de uma concepção panteísta de sexualidade.
Maturidade Artística
O estilo profundamente original de Munch se cristalizou por volta de 1892. O uso tortuoso e fluente da linha em suas novas pinturas era semelhante ao da Art Nouveau contemporânea, mas Munch usou a linha não como decoração, mas como veículo para uma revelação psicológica profunda. A incompreensão indignada de seu trabalho pelos críticos noruegueses foi repetida por seus colegas em Berlim quando Munch exibiu um grande número de suas pinturas lá em 1892 a convite da União dos Artistas de Berlim. A emoção violenta e as imagens não convencionais de suas pinturas, especialmente suas representações ousadamente francas da sexualidade, criaram uma controvérsia amarga. Os críticos também se ofenderam com sua técnica inovadora, que para a maioria parecia inacabada. O escândalo, no entanto, ajudou a tornar seu nome conhecido em toda a Alemanha e a partir daí sua reputação se espalhou ainda mais. Munch viveu principalmente em Berlim em 1892-1895 e depois em Paris em 1896-1897, e continuou a se movimentar bastante até se estabelecer na Noruega em 1910.
Pinturas De Amor E Morte
No coração da conquista de Munch está sua série de pinturas sobre amor e morte. Seu núcleo original era formado por seis quadros exibidos em 1893, e a série tinha chegado a 22 obras quando foi exibida pela primeira vez sob o título Frieze of Life na Secessão de Berlim em 1902. Munch constantemente reorganizava essas pinturas, e se uma delas para ser vendido, ele faria outra versão. Assim, em muitos casos, existem várias versões e impressões pintadas com base na mesma imagem. Embora o Friso se baseie profundamente na experiência pessoal, seus temas são universais: não se trata de homens ou mulheres específicos, mas de homens e mulheres em geral, e da experiência humana das grandes forças elementares da natureza. Visto em sequência, surge uma narrativa implícita do despertar, desabrochar e murchar do amor, seguida de desespero e morte.
O despertar do amor é mostrado em The Voice (1893), onde em uma noite de verão uma garota parada entre árvores parece ser convocada mais por uma voz interior do que por qualquer som de um barco no mar atrás dela. Em termos de composição, esta é uma das várias pinturas no Friso, nas quais a horizontal sinuosa do litoral é contraposta às verticais de árvores, figuras ou o reflexo em forma de pilar sobre o mar de sol ou lua. O florescimento do amor é mostrado em The Kiss (1892), em que um homem e uma mulher estão presos em um abraço terno e apaixonado, seus corpos se fundindo em uma única forma ondulada e seus rostos se fundindo tão completamente um no outro que não retêm nenhuma característica individual. Uma imagem especialmente poderosa da rendição ou transcendência da individualidade é Madonna (1894 a 1895), que mostra uma mulher nua com a cabeça jogada para trás em êxtase, os olhos fechados e uma forma vermelha de halo sobre os cabelos pretos e esvoaçantes. . Isso pode ser entendido como o momento da concepção, mas há mais do que um indício de morte no rosto bonito da mulher. Na arte de Munch, a mulher é um "outro" com quem a união é desesperadamente desejada, mas temida porque ameaça a destruição do ego criativo.
Em outros trabalhos que formaram o Frieze, Munch explorou o tema do sofrimento causado pelo amor, como visto em títulos como Melancolia (c. 1892-1893), Ciúme (1894-1895) e Ashes (1894). Se o isolamento e a solidão, sempre presentes em sua obra, são especialmente enfatizados nessas figuras, eles são igualmente aparentes em Morte no quarto do doente (1893 a 1895), uma de suas muitas pinturas sobre a morte. Aqui, o foco não está na criança moribunda, que nem sequer é visível, mas nos vivos, cada um envolvido em sua própria experiência de luto e incapaz de se comunicar ou oferecer um ao outro qualquer consolo. O poder da imagem é aumentado pelo espaço claustrofobicamente fechado e pela perspectiva apressada do piso.
O mesmo tipo de perspectiva dramática é usado em The Scream, que é o trabalho mais famoso de Munch. Inspirado por uma experiência alucinatória em que Munch sentiu e ouviu um "grito por toda a natureza", ele descreve uma criatura em pânico, simultaneamente semelhante a um cadáver e reminiscente de um esperma ou feto, cujos contornos ecoam nas linhas rodopiantes do céu vermelho-sangue . Nesta pintura, a ansiedade é elevada a um nível cósmico, em última análise, relacionado às ruminações sobre a morte e o vazio de significado que deveria ser central no existencialismo. (As duas primeiras versões de O Grito datam de 1893; Munch criou outra versão em 1895 e completou uma quarta provavelmente em 1910.) Sua arte também tinha afinidades evidentes com a poesia e o drama de sua época, e comparações interessantes podem ser feitas com o obra dos dramaturgos Henrik Ibsen e August Strindberg, cujos retratos ele pintou.
A produção massiva de arte gráfica de Munch - que consiste em gravuras, pontos secos, litografias e xilogravuras - começou em 1894. A principal atração para ele da gravura era que ela lhe permitia comunicar sua mensagem a um número muito maior de pessoas, mas também proporcionava oportunidades emocionantes para experimentação. Sua falta de treinamento formal em qualquer meio gráfico foi, sem dúvida, um fator que o levou a técnicas extremamente inovadoras. Como muitos de seus contemporâneos, ele foi influenciado pela tradição japonesa em usar a xilogravura, mas simplificou radicalmente o processo, por exemplo, imprimindo de um único bloco de madeira serrado em várias pequenas peças. O uso de Munch do grão real da madeira para fins expressivos provou ser um experimento especialmente bem-sucedido e influenciou bastante os artistas posteriores. Ele também frequentemente combinava diferentes mídias ou sobrepunha um meio sobre o outro. As impressões de Munch se parecem muito com suas pinturas, tanto no estilo quanto no assunto.
Anos Depois
Munch sofreu um colapso nervoso em 1908–09, e depois sua arte se tornou mais positiva e extrovertida sem recuperar sua intensidade anterior. Entre as poucas exceções está o auto-retrato assombroso: The Night Wanderer (c. 1930), um de uma longa série de auto-retratos que ele pintou ao longo de sua vida. Uma comissão especialmente importante, que marcou a aceitação tardia de sua importância na Noruega, foi para os murais da Universidade de Oslo (1909 a 1616), cuja peça central era uma vasta pintura do sol, ladeada por imagens alegóricas. Tanto as paisagens quanto os homens no trabalho forneceram objetos para as pinturas posteriores de Munch. No entanto, foi principalmente através de seu trabalho da década de 1890, no qual ele deu forma a forças psíquicas misteriosas e perigosas, que ele deu uma contribuição crucial à arte moderna. Em 1937, seu trabalho foi incluído na exposição nazista de "arte degenerada". Após sua morte, Munch deixou sua propriedade e todas as pinturas, gravuras e desenhos em sua posse para a cidade de Oslo, que ergueu o Museu Munch em 1963. Muitos de seus melhores trabalhos estão na Galeria Nacional de Oslo.
Legado
Munch foi um líder na revolta contra os ditames naturalistas da pintura acadêmica do século XIX e também foi além do naturalismo ainda inerente ao impressionismo. Sua concentração no essencial emocional às vezes levou a simplificações radicais da forma e a um uso expressivo, e não descritivo, da cor. Todas essas tendências foram adotadas por vários artistas mais jovens, principalmente os principais defensores do expressionismo alemão. Talvez sua influência formal mais direta na arte subseqüente possa ser vista na área da xilogravura. Seu legado mais profundo à arte moderna, no entanto, residia particularmente no propósito de seu senso de arte de abordar aspectos universais da experiência humana. Munch foi herdeiro do misticismo tradicional e da ansiedade da pintura do norte da Europa, que ele recriou em uma arte altamente pessoal do arquetípico e simbólico. Seu trabalho continua a falar da situação tipicamente moderna do indivíduo diante da incerteza de um mundo contemporâneo em rápida mudança.
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