Biografia : Caravaggio (1571–1610)

Atualizado: 29 de Jul de 2020


Início da vida


Caravaggio nasceu em Milão, onde seu pai, Fermo Merisi, era administrador doméstico e arquiteto-decorador do marquês de Caravaggio. Sua mãe, Lucia Aratori, veio de uma família proprietária do mesmo distrito. Em 1576, a família mudou-se para Caravaggio para escapar de uma praga que devastou Milão. O pai de Caravaggio morreu lá em 1577 e sua mãe em 1584. Supõe-se que o artista tenha crescido em Caravaggio, mas sua família manteve conexões com os Sforza e com a poderosa família Colonna, que eram aliadas pelo casamento com os Sforzas, e destinadas desempenhar um papel importante mais tarde na vida de Caravaggio.


Em 1584, ele foi aprendiz por quatro anos da pintora lombarda Simone Peterzano, descrita no contrato de aprendizado como aluno de Ticiano. Caravaggio parece ter ficado na área de Milão-Caravaggio após o término de seu aprendizado, mas é possível que ele tenha visitado Veneza e visto as obras de Giorgione, a quem Federico Zuccaro mais tarde o acusou de imitar e Ticiano. Ele também se familiarizaria com os tesouros da arte de Milão, incluindo a Última Ceia de Leonardo da Vinci, e com a arte regional da Lombard, um estilo que valorizava a simplicidade e a atenção aos detalhes naturalistas e estava mais próximo do naturalismo da Alemanha do que da formalidade estilizada. e grandeza do maneirismo romano.



ROMA


Caravaggio fugiu de Milão para Roma em meados de 1592, depois de "certas brigas" e o ferimento de um policial. Ele chegou a Roma "nu e extremamente carente ... sem endereço fixo e sem provisão ... sem dinheiro". Alguns meses depois, ele estava realizando trabalhos de corte para o bem-sucedido Giuseppe Cesari, o pintor favorito do Papa Clemente VIII, "pintando flores e frutas" em sua oficina de fábrica. Trabalhos conhecidos desse período incluem um pequeno Garoto Descascando uma Fruta (sua primeira pintura conhecida), um Garoto com uma Cesta de Frutas e o Baco Jovem Doente, supostamente um auto-retrato feito durante a convalescença de uma doença grave que terminou seu emprego com Cesari. Todos os três demonstram a particularidade física - um aspecto de seu realismo - pelo qual Caravaggio se tornaria conhecido: os produtos do cesto de frutas foram analisados ​​por um professor de horticultura, capaz de identificar cultivares individuais até ".. uma grande folha de figueira com uma lesão fúngica proeminente semelhante à antracnose (Glomerella cingulata). "



Caravaggio deixou Cesari em janeiro de 1594, determinado a seguir seu próprio caminho. Suas fortunas estavam em seu ponto mais baixo, mas foi agora que ele estabeleceu algumas amizades extremamente importantes, com o pintor Prospero Orsi, o arquiteto Onorio Longhi e o artista siciliano Mario Minniti, de dezesseis anos. Orsi, estabelecido na profissão, apresentou-o a colecionadores influentes; Longhi, com mais cautela, apresentou-o ao mundo das brigas de rua romanas; e Minniti serviu de modelo e, anos depois, seria fundamental para ajudar Caravaggio a importantes comissões na Sicília. The Fortune Teller, sua primeira composição com mais de uma figura, mostra Mario sendo enganado por uma garota cigana. O tema era bastante novo para Roma e mostrou-se imensamente influente ao longo do século seguinte e além. Isso, no entanto, estava no futuro: na época, Caravaggio o vendeu por praticamente nada. O Cardsharps - mostrando outro garoto sem sofisticação sendo vítima de truques com cartas - é ainda mais psicologicamente complexo, e talvez a primeira verdadeira obra-prima de Caravaggio. Como o Fortune Teller, era imensamente popular e mais de 50 cópias sobrevivem. Mais importante, atraiu o patrocínio do cardeal Francesco Maria Del Monte, um dos principais conhecedores de Roma. Para Del Monte e seu rico círculo de amantes da arte, Caravaggio executou várias peças íntimas de câmara - Os Músicos, O Tocador de Alaúde, um Baco embriagado, um Menino alegórico mas realista, mordido por um lagarto - apresentando Minniti e outros modelos adolescentes. O ambiente homoerótico do tratamento de Caravaggio sobre essas obras tem sido o centro de disputa entre estudiosos e biógrafos desde que foi levantado pela primeira vez na segunda metade do século 20, o crítico Robert Hughes descreveu de maneira memorável os meninos de Caravaggio como "pedaços maduros e pêssegos de comércio bruto" , com bocas ansiosas e cabelos como sorvete preto ",



O realismo retornou com as primeiras pinturas de Caravaggio sobre temas religiosos e o surgimento de uma espiritualidade notável. A primeira delas foi a Penitente Madalena, mostrando Maria Madalena no momento em que ela deixou de sua vida como cortesã e se senta chorando no chão, suas jóias espalhadas ao seu redor. "Não parecia uma pintura religiosa ... uma garota sentada em um banquinho baixo de madeira secando o cabelo ... Onde estava o arrependimento ... sofrendo ... promessa de salvação?" Era discreto, à maneira lombarda, não histriônico à maneira romana da época. Seguiram-se outros no mesmo estilo: Santa Catarina, Marta e Maria Madalena, Judith Beheading Holofernes, um sacrifício de Isaac, um são Francisco de Assis em êxtase e um descanso na fuga para o Egito. As obras, enquanto vistas por um círculo relativamente limitado, aumentaram a fama de Caravaggio com os conhecedores e seus colegas artistas. Mas uma reputação verdadeira dependeria de comissões públicas e, para elas, era necessário olhar para a Igreja.


Já era evidente o intenso realismo ou naturalismo pelo qual Caravaggio agora é famoso. Ele preferiu pintar seus súditos como os olhos os vêem, com todas as suas falhas e defeitos naturais, em vez de criações idealizadas. Isso permitiu uma exibição completa dos talentos virtusóicos de Caravaggio. Essa mudança da prática padrão aceita e do idealismo clássico de Michelangelo era muito controversa na época. Além de seu realismo ser uma característica notável de suas pinturas durante esse período, ele se afastou dos longos preparativos tradicionais da Itália central na época. Em vez disso, ele preferia a prática veneziana de trabalhar com óleos diretamente do sujeito - figuras de meio comprimento e natureza morta. Uma das pinturas características de Caravaggio na época que dá uma boa demonstração de seu talento virtuoso foi seu trabalho, Ceia em Emaús, entre c.1600-1601.



"O PINTOR MAIS FAMOSO DE ROMA"


Em 1599, presumivelmente pela influência de Del Monte, Caravaggio foi contratado para decorar a Capela Contarelli na igreja de San Luigi dei Francesi. As duas obras que compunham a comissão, o Martírio de São Mateus e o Chamado de São Mateus, entregues em 1600, foram uma sensação imediata. O tenebrismo de Caravaggio (um claro-escuro acentuado) trouxe grande drama a seus súditos, enquanto seu realismo agudo observou um novo nível de intensidade emocional. A opinião dos colegas artistas de Caravaggio foi polarizada. Alguns o denunciaram por várias falhas percebidas, notadamente por sua insistência em pintar da vida, sem desenhos, mas na maioria das vezes ele foi aclamado como um grande visionário artístico: "Os pintores de Roma, em seguida, ficaram muito impressionados com essa novidade, e os jovens particularmente reunidos em torno dele, o elogiavam como o imitador único da natureza e encaravam seu trabalho como milagres ".


Caravaggio passou a garantir uma série de comissões de prestígio para obras religiosas, apresentando lutas violentas, decapitações grotescas, tortura e morte. Na maior parte das vezes, cada nova pintura aumentou sua fama, mas algumas foram rejeitadas pelos vários corpos a quem se destinavam, pelo menos em suas formas originais, e tiveram que ser pintadas novamente ou encontrar novos compradores. A essência do problema era que, embora a intensidade dramática de Caravaggio fosse apreciada, seu realismo era visto por alguns como inaceitavelmente vulgar. Sua primeira versão de São Mateus e o Anjo, caracterizada pelo santo como um camponês careca de pernas sujas, com a presença de um menino-anjo levemente vestido e familiar, foi rejeitada e uma segunda versão teve que ser pintada como A Inspiração de São Mateus. Da mesma forma, A Conversão de São Paulo foi rejeitada e, embora outra versão do mesmo assunto, a Conversão a Caminho de Damasco, fosse aceita, apresentava as ancas do cavalo do santo com muito mais destaque do que o próprio santo, levando a essa troca entre o artista. e um funcionário exasperado de Santa Maria del Popolo: "Por que você colocou um cavalo no meio e São Paulo no chão?" "Porque!" "O cavalo é Deus?" "Não, mas ele está na luz de Deus!"



Outros trabalhos incluíram Entombment, Madonna di Loreto (Madonna dos Peregrinos), Madonna dos Noivos e Morte da Virgem. A história dessas duas últimas pinturas ilustra a recepção dada a algumas das obras de Caravaggio e os tempos em que ele viveu. A Madonna dos Noivos, também conhecida como Madonna dei palafrenieri, pintada para um pequeno altar na Basílica de São Pedro em Roma, permaneceu lá por apenas dois dias e foi decolada. O secretário de um cardeal escreveu: "Nesta pintura há apenas vulgaridade, sacrilégio, impiedade e nojo ... Alguém poderia dizer que é uma obra de um pintor que pode pintar bem, mas de espírito sombrio, e que já esteve por muito tempo. muito tempo longe de Deus, de Sua adoração e de qualquer bom pensamento ... "A morte da Virgem, encomendada em 1601 por um rico jurista para sua capela particular na nova igreja carmelita de Santa Maria della Scala, foi rejeitado pelos carmelitas em 1606. Giulio Mancini, contemporâneo de Caravaggio, registra que foi rejeitado porque Caravaggio havia usado uma prostituta conhecida como modelo para a Virgem; Giovanni Baglione, outro contemporâneo, nos diz que foi devido às pernas nuas de Mary - uma questão de decoro em ambos os casos. O estudioso de Caravaggio, John Gash, sugere que o problema dos carmelitas pode ter sido teológico e não estético, pois a versão de Caravaggio falha em afirmar a doutrina da Assunção de Maria, a idéia de que a Mãe de Deus não morreu no sentido comum, mas foi assumido no céu. O retábulo de substituição encomendado (de um dos seguidores mais capazes de Caravaggio, Carlo Saraceni), mostrava a Virgem não morta, como Caravaggio a havia pintado, mas sentada e morrendo; e mesmo isso foi rejeitado e substituído por uma obra que mostrava a Virgem não morrendo, mas ascendendo ao céu com coros de anjos. De qualquer forma, a rejeição não significava que Caravaggio ou suas pinturas estavam em desuso. A morte da Virgem foi retirada da igreja assim que foi comprada pelo duque de Mântua, a conselho de Rubens, e posteriormente adquirida por Carlos I da Inglaterra antes de entrar na coleção real francesa em 1671.


Uma peça secular desses anos é Amor Victorious, pintado em 1602 por Vincenzo Giustiniani, um membro do círculo de Del Monte. O modelo foi nomeado em um livro de memórias do início do século XVII como "Cecco", o diminutivo de Francesco. Ele é possivelmente Francesco Boneri, identificado com um artista ativo no período de 1610-1625 e conhecido como Cecco del Caravaggio ('Cecco de Caravaggio'), carregando um arco e flechas e pisoteando símbolos das artes e ciências bélicas e pacíficas sob seus pés. Ele está sem roupa e é difícil aceitar esse diabrete sorridente como o deus romano Cupido - tão difícil quanto aceitar os outros adolescentes semi-vestidos de Caravaggio como os vários anjos que ele pintou em suas telas, usando as mesmas asas do palco . O ponto, no entanto, é a intensa, porém ambígua, realidade da obra: é simultaneamente Cupido e Cecco, pois as Virgens de Caravaggio eram simultaneamente a Mãe de Cristo e as cortesãs romanas que as modelaram.


EXÍLIO E MORTE


Caravaggio levou uma vida tumultuada. Ele era notório por brigas, mesmo em uma época e local em que esse comportamento era comum, e as transcrições de seus registros policiais e processos de julgamento preenchem várias páginas. Em 29 de maio de 1606, ele matou, possivelmente sem querer, um jovem chamado Ranuccio Tomassoni. Anteriormente, seus patronos altos o haviam protegido das conseqüências de suas escapadas, mas desta vez eles não podiam fazer nada. Caravaggio ilegal, fugiu para Nápoles. Lá, fora da jurisdição das autoridades romanas e protegido pela família Colonna, o pintor mais famoso de Roma se tornou o mais famoso de Nápoles. Suas conexões com as Colonnas levaram a um fluxo de importantes comissões da igreja, incluindo a Madonna do Rosário e As Sete Obras de Misericórdia.


Apesar de seu sucesso em Nápoles, depois de apenas alguns meses na cidade, Caravaggio partiu para Malta, a sede dos Cavaleiros de Malta, presumivelmente esperando que o patrocínio de Alof de Wignacourt, Grão-Mestre dos Cavaleiros, pudesse ajudá-lo a perdoar por A morte de Tomassoni. De Wignacourt mostrou-se tão impressionado por ter o famoso artista como pintor oficial da Ordem que o induziu como cavaleiro, e o primeiro biógrafo Bellori registra que o artista ficou muito satisfeito com seu sucesso. As principais obras de seu período em Malta incluem uma enorme decapitação de São João Batista (a única pintura na qual ele assinou) e um retrato de Alof de Wignacourt e sua página, além de retratos de outros cavaleiros importantes. No entanto, no final de agosto de 1608, ele foi preso e encarcerado. As circunstâncias que cercam essa mudança abrupta da fortuna têm sido motivo de especulação, mas investigações recentes revelaram que foi o resultado de mais uma briga, durante a qual a porta de uma casa foi derrubada e um cavaleiro seriamente ferido. Em dezembro, ele havia sido expulso da Ordem "como um membro sujo e podre".



Antes da expulsão, Caravaggio havia escapado para a Sicília e a companhia de seu velho amigo Mario Minniti, que agora era casado e morava em Siracusa. Juntos, eles partiram para o que equivalia a uma excursão triunfal de Siracusa a Messina e à capital da ilha, Palermo. Em cada cidade, Caravaggio continuou a ganhar comissões de prestígio e bem pagas. Entre outras obras desse período estão o Enterro de Santa Lúcia, o Levantamento de Lázaro e a Adoração dos Pastores. Seu estilo continuou a evoluir, mostrando agora frisos de figuras isoladas contra vastos cenários vazios. "Seus grandes retábulos sicilianos isolam suas figuras sombrias e lamentavelmente pobres em vastas áreas de escuridão; sugerem os medos desesperados e a fragilidade do homem e, ao mesmo tempo, transmitem, com uma nova e desolada ternura, a beleza da humildade e dos mansos. , que herdarão a terra ". Relatos contemporâneos retratam um homem cujo comportamento estava se tornando cada vez mais bizarro, dormindo completamente armado e em suas roupas, rasgando uma pintura com uma ligeira palavra de crítica, zombando dos pintores locais.



Depois de apenas nove meses na Sicília, Caravaggio voltou a Nápoles. Segundo seu primeiro biógrafo, ele estava sendo perseguido por inimigos enquanto estava na Sicília e achava mais seguro se colocar sob a proteção das Colónias até conseguir seu perdão do papa (agora Paulo V) e retornar a Roma. Em Nápoles, pintou A negação de São Pedro, um final João Batista (Borghese) e, sua última foto, O martírio de Santa Úrsula. Seu estilo continuou a evoluir - Santa Úrsula é capturada em um momento de ação e drama mais elevados, quando a flecha disparada pelo rei dos hunos a atinge no peito, ao contrário de pinturas anteriores que tinham toda a imobilidade dos modelos colocados. A pincelada era muito mais livre e mais impressionista. Se Caravaggio tivesse vivido, algo novo teria chegado. A negação de São Pedro, c. 1610. Óleo sobre tela, 94 x 125 cm. Metropolitan Museum of Art, Nova Iorque. No claro-escuro, uma mulher aponta dois dedos para Peter, enquanto um soldado aponta um terceiro. Caravaggio conta a história de Pedro negando a Cristo três vezes com esse simbolismo.


Em Nápoles, uma tentativa foi feita em sua vida, por pessoas desconhecidas. No início, foi relatado em Roma que o "famoso artista" Caravaggio estava morto, mas depois ficou sabendo que ele estava vivo, mas seriamente desfigurado na cara. Ele pintou um Salomé com a cabeça de João Batista (Madri), mostrando sua própria cabeça em uma bandeja, e a enviou a Wignacourt como um pedido de perdão. Talvez nessa época ele também tenha pintado um Davi com a cabeça de Golias, mostrando o jovem Davi com uma expressão estranhamente triste, contemplando a cabeça ferida do gigante, que é novamente Caravaggio. Essa pintura ele pode ter enviado para o inescrupuloso cardeal-sobrinho Scipione Borghese, que tinha o poder de conceder ou reter perdões.


No verão de 1610, ele pegou um barco para o norte para receber o perdão, que parecia iminente graças a seus poderosos amigos romanos. Com ele estavam três últimas pinturas, presentes para o cardeal Scipione. O que aconteceu a seguir é objeto de muita confusão e conjectura. Os fatos são que, em 28 de julho, um aviso anônimo de Roma à corte ducal de Urbino informou que Caravaggio estava morto. Três dias depois, outro aviso disse que ele havia morrido de febre. Esses foram os primeiros relatos breves de sua morte, que mais tarde foram submetidos a muita elaboração. Nenhum corpo foi encontrado. Mais tarde, um amigo poeta do artista deu o dia 18 de julho como data da morte, e um pesquisador recente afirma ter descoberto um aviso de morte mostrando que o artista morreu naquele dia de febre em Porto Ercole, perto de Grosseto, na Toscana.





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