Infância
Georges Braque foi guiado desde tenra idade até técnicas de pintura criativa. Seu pai administrava uma empresa de pintura decorativa e o interesse de Braque em textura e tato talvez tenha vindo de trabalhar com ele como decorador. Em 1899, aos dezessete anos, Braque mudou-se de Argenteuil para Paris, acompanhado pelos amigos Othon Friesz e Raoul Dufy.
Treinamento Inicial
As primeiras pinturas de Braque foram feitas no estilo fauvista. De 1902 a 1905, depois de deixar de trabalhar como decorador para continuar pintando em tempo integral, ele perseguiu as idéias fauvistas e coordenou com Henri Matisse. Ele contribuiu com suas pinturas fauvistas coloridas para sua primeira exposição no Salon des Independants, em 1906. No entanto, ele foi extremamente afetado por uma visita ao estúdio de Pablo Picasso em 1907, para ver o trabalho pioneiro de Picasso - Les Demoiselles d'Avignon. Após esse encontro, os dois artistas forjaram uma amizade íntima e camaradagem artística. "Nós nos reuníamos todos os dias", disse Braque, "para discutir e analisar as idéias que estavam se formando, além de comparar nossos respectivos trabalhos". A mudança drástica no estilo de pintura de Braque pode ser atribuída diretamente a Picasso. Uma vez que ele entendeu os objetivos de Picasso, Braque procurou fortalecer "os elementos construtivos em suas obras, enquanto evitava os excessos expressivos do fauvismo". Suas pinturas de paisagens, nas quais as cenas foram destiladas em formas e cores básicas, inspiraram o crítico de arte francês Louis Vauxcelles a cunhar o termo cubismo, descrevendo o trabalho de Braque como "bizarreries cubiques". Durante esse período pré-guerra e altamente produtivo, Braque (com Pacasso) fez grandes contribuições para a arte moderna, principalmente através da exploração do cubismo - através das chamadas fases analíticas e sintéticas do movimento.
Período maduro
Braque e Picasso trabalharam em sincronicidade até o retorno de Braque da guerra em 1914. Quando Picasso começou a pintar figurativamente (juntando-se ao que é conhecido como classicismo entre guerras), Braque sentiu que seu amigo havia traído seus sistemas e regras cubistas e continuou por conta própria. No entanto, ele continuou sendo influenciado pelo trabalho de Picasso, especialmente em relação às papier collés, uma técnica de colagem pioneira por ambos os artistas, usando apenas papel colado. Suas colagens apresentavam formas geométricas interrompidas por instrumentos musicais, uvas ou móveis. Estes eram tão tridimensionais que são considerados importantes no desenvolvimento da escultura cubista. Em 1918, Braque sentiu que havia explorado suficientemente papier collés e retornou à pintura de natureza morta.
Os espectadores notaram uma paleta mais limitada no primeiro show solo de Braque no pós-guerra, em 1919. No entanto, ele aderiu firmemente às regras cubistas sobre a representação de objetos de perspectivas multifacetadas de formas geometricamente padronizadas. Nisso, ele continuou como um verdadeiro cubista por mais tempo que Picasso, cujo estilo, assunto e paletas mudavam continuamente. Braque estava mais interessado em mostrar como os objetos são vistos quando vistos ao longo do tempo em diferentes espaços temporais e planos pictóricos. Como resultado de sua dedicação em descrever o espaço de várias maneiras, ele naturalmente se dedicou ao design de cenários e figurinos para apresentações de teatro e balé, fazendo isso ao longo da década de 1920.
Últimos anos e morte
Em 1929, Braque voltou a pintar paisagens, usando cores novas e brilhantes, influenciadas por Picasso e Matisse. Então, na década de 1930, Braque começou a retratar heróis e divindades gregos, embora afirmasse que os sujeitos eram despojados de seu simbolismo e deviam ser vistos através de uma lente puramente formal. Ele chamou esses trabalhos de exercícios em caligrafia, possivelmente porque não eram estritamente sobre figuras, mas mais sobre linhas e formas. Na segunda metade da década de 1930, Braque começou a pintar sua série Vanitas, através da qual considerava existencialmente a morte e o sofrimento. Crescendo cada vez mais obcecado com a fisicalidade de suas pinturas, ele explorou as maneiras pelas quais pinceladas e qualidades de tinta poderiam aprimorar seu assunto.
Os objetos usados em suas naturezas-mortas eram altamente pessoais para Braque, no entanto, ele não revelou esses significados. Os crânios, por exemplo, eram objetos que ele pintou repetidamente no início da Segunda Guerra Mundial. Em 1944, quando a Segunda Guerra Mundial terminou, Braque começou a abraçar assuntos mais leves, como flores, mesas de bilhar e cadeiras de jardim. Sua série final de oito telas feitas de 1948-1955, cada uma com o título Atelier, ou Studio, retratava imagens que representavam os pensamentos internos do artista sobre cada objeto, em vez de pistas para o mundo exterior. No final de sua vida, Braque pintou pássaros repetidamente, como o símbolo perfeito de sua obsessão por espaço e movimento.
O legado de Georges Braque
Braque é lembrado como um progenitor do cubismo, que era racional e sensual em suas pinturas de natureza morta. Ele era um pintor clássico nesse sentido, e influenciou artistas como Jim Dine e Wayne Thiebaud, que se concentraram na pintura de natureza morta. Braque também é um célebre colorista e pode ser rastreado através da arte contemporânea até os pintores que trabalham com cores de maneira semelhante. Talvez Braque seja mais lembrado por seu uso de colagem, pois muitos artistas contemporâneos, de escultores como Jessica Stockholder a pintores como Mark Bradford, aplicam papel em suas obras como forma de comentar sobre a sociedade e seus interesses.
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